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Die Wandskulptur Cryptic Machine Prototype A (2018) des Künstlers Niko Abramidis &NE spiegelt seine stete Beschäftigung und Auseinandersetzung mit ökonomischen Strukturen wider. Die Arbeit ist von den massiven Stahlplatten inspiriert, die New Yorker Bauarbeiter zum schnellen Ausbessern der Straßenschäden in der Metropole verwenden. Chemische Prozesse haben die Oberfläche so verändert, dass eine kartografische Struktur erkennbar ist. Die warmgewalzte Stahloberfläche, aus der durch akurat geschnittene Öffnungen blaues Licht hervordringt, sowie ein eingelassenes Pinpad und ein Bildschirm geben Hinweise auf die Funktion als Geldautomat, in dem vergangene und zukünftige Zeit verschmelzen: Die düstere "Maschine" scheint aus einer apokalyptischen Zukunft zu kommen, in der die einstige Funktionalität verschwunden oder zumindest nicht mehr verständlich ist. Zeichen wie Ω und ∑ über den schmalen Öffnungen könnten auf die ursprüngliche Verwendung hinweisen. Der über dem Pinpad liegende Bildschirm zeigt einen Imagefilm einer längst insolventen Bank. Die eingravierten Initialen NE stehen, wie ein Firmenlogo, darüber und sind gleichzeitig die Signatur des Künstlers.

Cryptic Machine Prototype A war 2019 als Teil der Ausstellung "ars viva. MYST ECON" im Kai 10 Arthena Foundation, Düsseldorf zu sehen. Abramidis &NE präsentierte dort eine raumgreifende, multimediale Installation, die Eigenschaften von internationalen Großraumbüros trug.

Dylan's rendez-vous, 2019

Die reliefartige Wandarbeit Dylan's rendez-vous (2019) des französisch-algerischen Künstlers Neïl Beloufa spiegelt auf den ersten Blick eine scheinbar gewöhnliche Strandszene wider. Ein bunt gestreiftes Badehandtuch liegt ausgebreitet auf dem Sand, während im Hintergrund Wellen ans Ufer rollen. Auf den zweiten Blick sind jedoch deutlich Gegenstände zu erkennen, deren Umrisse sich unter dem Handtuch und der Sandfläche schemenhaft abzeichnen: zerdrückte Plastikflaschen und eine Aludose. Sie rufen Bilder von stark verschmutzen, mit Plastik und Müll überschwemmten Stränden hervor und sind Zeugnisse der Anwesenheit von Personen und des Konsumverhaltens in einer globalisierten Welt. Nicht nur der Konsum von Waren, auch der mediale Konsum wird hier sichtbar. Unübersehbar in den Sand eingelassen ist eine Steckdose, die Zugang zu Elektrizität bietet und somit im digitalen Zeitalter die Verbindung zu Medien und Dauerverfügbarkeit sicherstellt. So vielschichtig und paradox dies erscheint, dient Beloufas Kunst nicht nur im übertragenen Sinne der Vernetzung, sondern konkret als Einladung, mobile Geräte aktiv an den Stromkreis anzuschließen. Beloufa, der in seinen Arbeiten oft Materialien und Techniken einsetzt, die sichtbare technologische Komponenten beinhalten, stellt auch hier die praktischen Aspekte den kräftigen Farben des eingefärbten MDFs sowie dem leuchtenden Senfgelb und Rosa des Leders innerhalb eines technoiden Reliefs gegenüber.

Die schwedische Künstlerin Nina Canell (*1979 in Vaxjö, SE) erforscht das Potenzial verborgener Objekte und Materialien, die zur Weiterleitung oder Speicherung von Wissen und technischer Prozesse dienen. Aufgeschnittene Strom- und Glasfaserkabel, abgewickelte Drahtspulen oder freigelegte elektrische Leitungen überführt Canell in skulpturale Arrangements. Ihr Interesse an zeitgenössischen Formen der Datenübertragung, den physikalischen Eigenschaften von Datenträgern und deren nicht sichtbaren Prozessen werden von Fragen über Gedächtnis und Wissen angeleitet. Sie ist der Überzeugung, dass es keine Vermittlung gibt, die ohne Verlust stattfindet, weder zwischen festen Objekten noch zwischen Lebendigem. In ihrem bildhauerischen Werk wird der verborgene Prozess der Übertragung und die gleichzeitige Infragestellung der Vollständigkeit anhand von sowohl synthetischen also auch organischen Materialien deutlich. Nina Canell stellte 2017 im nordischen Pavillon auf der 57. Biennale von Venedig aus. 2019 zeigten das Kunstmuseum St. Gallen sowie die Kunsthalle Baden-Baden Einzelausstellungen der Künstlerin.

„Mich interessiert an der Sprache, dass sie Wirklichkeit entstehen lässt oder konstruiert, genauso wie Licht diese sichtbar macht. Darin liegt eine Nähe, die erklärt, warum beides in meinen Arbeiten oft parallel oder redundant und tautologisch vorkommt. Indem ich sie zusammenbringe, machen sie sich gegenseitig sichtbar. Beim Morsen sind es die elementaren Formen: Strich und Punkt, Kreis und Rechteck, kurz und lang. Interessant ist aber auch, dass es eben dieses binäre System in sich trägt, das in verschiedenen Weisen funktioniert, als Lichtzeichen, als akustische Signale oder als grafischer Code. Es ist eine sehr minimale Sprache, mit der sich trotzdem jede Komplexität darstellen lässt. Die Informationsübertragung findet im Zwischenraum von Ein und Aus, Licht und Schatten statt.¹“ – Brigitte Kowanz

Die Wandarbeit f (2020) der österreichischen Künstlerin Brigitte Kowanz nimmt – wie so viele ihrer Werke – Bezug auf ihre langjährige Auseinandersetzung mit dem binären Morse-Code, den sie als formales Element, wie auch als Übermittler einer zweiten Bedeutungsebene in ihren Arbeiten einsetzt.

f ist Teil der Werkgruppe Reflections, die aus Aluminium, Reflexionsfolie und einem von der Künstlerin aufgetragenen Transparenzlack bestehen, wodurch die malerischen Qualitäten des Lichts betont werden. Licht ist dabei kein bildimmanentes Element, sondern die reflektierenden Oberflächen der Werke werden durch die bildparallele Beleuchtung erst aktiviert. Die Arbeiten haben zudem einen partizipativen Faktor: Der Effekt kann durch die Beleuchtung mit dem Smartphone des Betrachters noch verstärkt werden. Der Titel der Arbeit f nimmt dabei Bezug auf den Buchstaben F des Morse-Code Alphabets. Kowanz beschreibt ihr Interesse für diesen Code wie folgt: „beim Morsen sind es die elementaren Formen: Strich und Punkt, Kreis und Rechteck, kurz und lang. Interessant ist aber auch, dass es eben dieses binäre System in sich trägt, das in verschiedenen Weisen funktioniert, als Lichtzeichen, als akustische Signale oder als grafischer Code.“¹ Bei f wird der Buchstabe aus der Kombination von Punkt, Punkt, Strich, Punkt visuell dargestellt und findet sich als grafischer Code, der durch eine externe Lichteinstrahlung aktiviert wird, auf der Leinwand wieder.

In VII -Hipótesis del equilibrio local- (2018), schafft der mexikanische Künstler Gabriel Rico eine leicht anmutende Skulptur aus einer ungewöhnlichen Kombination aus organischen, technischen und alltäglichen Materialien: Naturschwamm, Hirschrippe, Stachelschweinborste, handgefertigtes Seil, Ast, Neon, Coca-Cola Flasche, Vulkangestein und Feder. Die verschiedenen Komponenten gehen spielerisch ineinander über und ergeben einen Kreislauf, der durch ein Stromkabel verbunden zu sein scheint. Das leuchtende Neonlicht steht im harten Kontrast zu den handwerklich fein ausgearbeiteten Details aus Naturmaterialien. Gehalten wird die Konstruktion durch ein Symbol kapitalistischen alltäglichen Konsums, der Coca-Cola Flasche. Die Skulptur ist Teil der Serie Hipotesis del equilibrio local und bezieht sich auf die hypothetische Möglichkeit, ein Gleichgewicht im Zusammenspiel mehrerer Komponenten zu erreichen. Fasziniert von physikalischen Gesetzen und philosophischen Thesen dekonstruiert Rico in dieser Werkreihe verschiedenste Aspekte der alltäglichen Welt und fügt sie in einem postsurrealistischen Ansatz neu zusammen. Damit bringt er die – ohne in offensichtlicher Beziehung zueinanderstehenden – Materialien der Skulptur in ein ausgewogenes Zusammenspiel.

In der Ausstellung sind Stock Prop (2010) und Stock Prop Study C (2014) in direkter Verbindung zur Wand installiert, verlängern sich so als architektonische Interventionen in den Galerieraum und bleiben gleichzeitig aktivierbare Objekte.

Sonnier bricht in den 1960er-Jahren durch seine unkonventionelle Materialauswahl und deren Kombination – wie etwa Neon, Latex, Draht, Satin, Mulltuch und Beflockungsfarbe – mit dem herkömmlichen Verständnis von Skulptur. Neue, inhaltliche Verbindungen wie die Beziehung zum menschlichen Körper und seiner Umwelt bilden die Grundlage von Sonniers frühen Werken und einer Praxis, die er kontinuierlich weiterführt. In der Stock Prop Serie öffnet der Künstler über den Bedeutungsraum des Materials hinausgehend seine skulpturale Arbeit in den performativen Raum.

Photo: Dirk Tacke

Der US-Amerikanische Künstler Keith Sonnier (*1941 in Mamou, Louisiana, US) wurde in den 1960er Jahren mit Arbeiten bekannt, die das traditionelle Verständnis von Skulptur erweiterten und alltägliche Materialien wie Neon, Latex, Schaumstoff oder gefundene Industriewerkstoffe einsetzten. Er gehört zu der Generation von Post-Minimalisten, die Gary Kuehn, Eva Hesse, Robert Morris und Richard Serra umfassen und war einer der ersten und bedeutendsten Künstler, die Licht als neues Medium entdeckten. Durch sein fortwährendes Experimentieren entstehen bis heute Skulpturen und Rauminstallationen mit direkt oder indirekt beleuchteten Elementen. Keith Sonnier war Teil der ikonischen Ausstellungen "Eccentric Abstraction" in der Fischbach Gallery in New York (1966) und "Live in Your Head: When Attitudes Become Form" in der Kunsthalle Bern (1969). 2018 zeigten das Parrish Art Museum und das New Orleans Museum of Art umfassende Retrospektiven des Künstlers.

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Photo: Caterina Verde