Art Cologne 2020

Die Werke des US-amerikanischen abstrakten Malers David Reed (*1946 in San Diego, CA, US) sind geprägt von gewaltigen gestischen Bewegungen, die sich wie Schlaufen oder Bänder über das Bildformat bewegen und durch scheinbar zufällig angeordnete Farbfelder durchbrochen werden. Beeinflusst durch den abstrakten Expressionismus auf der einen und den Werken des Minimalismus und Postminimalismus auf der anderen Seite, entwickelte Reed ab 1971 seine ganz eigene Bildsprache, bei der traditionelle Maltechniken mit der Verwendung von lasergeschnittenen Schablonen kombiniert werden, die mittels digitaler Bildbearbeitung hergestellt werden. Wie übereinander gelagerte Folien werden die verschiedenen Farbschichten seiner Werke nach und nach übereinander gelegt und jeweils im trockenen Zustand glatt geschliffen. Dadurch sind die Schaffensphasen seiner Werke oft an einen langen und komplexen technischen Prozess gekoppelt, der sich meist über mehrere Jahre zieht und von Reed parallel dazu in Form von Skizzen dokumentiert wird.

Photo: Mischa Scherrer (Häusler Contemporary)

Der US-Amerikanische Künstler Keith Sonnier (1941-2020) wurde in den 1960er Jahren mit Arbeiten bekannt, die das traditionelle Verständnis von Skulptur erweiterten und alltägliche Materialien wie Neon, Latex, Schaumstoff oder gefundene Industriewerkstoffe einsetzten. Er gehört zu der Generation von Post-Minimalisten, die Gary Kuehn, Eva Hesse, Robert Morris und Richard Serra umfassen und war einer der ersten und bedeutendsten Künstler, die Licht als neues Medium entdeckten. Durch sein fortwährendes Experimentieren entstanden Skulpturen und Rauminstallationen mit direkt oder indirekt beleuchteten Elementen. Keith Sonnier war Teil der ikonischen Ausstellungen "Eccentric Abstraction" in der Fischbach Gallery in New York (1966) und "Live in Your Head: When Attitudes Become Form" in der Kunsthalle Bern (1969). 2018 zeigten das Parrish Art Museum und das New Orleans Museum of Art umfassende Retrospektiven des Künstlers.

Photo: Caterina Verde

James Turrell (*1943 in Los Angeles, US), einer der renommiertesten Vertreter der internationalen Kunstszene, widmet sein gesamtes Schaffen der Auseinandersetzung mit den vielfältigen Erscheinungsformen des natürlichen und künstlichen Lichts.
Turrell dringt in die Grenzbereiche der Wahrnehmung vor: Installationen und Environments machen das Licht als künstlerisches Medium erfahrbar. Die Räume sind nicht im herkömmlichen Sinne beleuchtet - sie sind vielmehr von Licht und Farbigkeit erfüllt. In diesen Lichträumen erscheint die Architektur entmaterialisiert – Fläche, Farbe und Raum treten in ein Wechselspiel, das den Betrachter eintauchen lässt in eine geheimnisvolle, malerische Welt. Die Zeitlosigkeit und Faszination seiner Arbeiten beruht vor allem darauf, dass es Turrell gelingt, ohne den Umweg über Symbolik oder bildliche Darstellung, Licht als eine Form der Realität unmittelbar sinnlich erlebbar zu machen.

Nach Einzelausstellungen u.a. im Guggenheim Museum, New York (2013) und dem Los Angeles County Museum of Art (2014) waren zuletzt umfassende Retrospektiven des Künstlers im Museum Frieder Burda in Baden-Baden (2018) und im Museo Jumex, Mexico City (2019) zu sehen.

James Turrell at Roden Crater Arizona © James Turrell. Courtesy of Häusler Contemporary | Photo: Florian Holzherr

Der pakistanisch-britische Künstler Haroon Mirza (*1977 in London, UK) versteht seine Arbeit vergleichbar mit der eines Komponisten und erschafft mittels eines verschiedenartigen Instrumentariums aus Haushaltselektronik, Plattenspieler und LPs, LEDs, Möbel, Fragmenten von filmischen Dokumenten und Referenzen aus der Popkultur einen Werkkomplex, der Licht, Ton und Objekte in einem vielschichtigen, sensorischen Erlebnis fusioniert. In seinen Installationen fordert er den Betrachter auf, eine Unterscheidung in der Wahrnehmung zwischen Geräusch, Ton und Musik aufzugeben, und stellt somit die Kategorisierung von kulturellen und künstlerischen Ausdrucksformen in Frage. Besonders intensiv beschäftigt sich der Künstler mit dem Verhältnis zwischen Objekt und Ausstellungsraum und bezieht sich dabei auf die Strategien der Minimal Art. 2011 erhielt Haroon Mirza den Silbernen Löwen auf der 54. Biennale von Venedig, 2014 den Nam June Paik Center Prize. Einzelausstellungen des Künstlers wurden u. a. im New Museum, New York (2012), dem Museum Tinguely, Basel (2015) und im Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne (2019) gezeigt.

Photo:  Gaia Fugazza | Courtesy of hrm199

Gary Kuehn (*1939, New Jersey, US), dessen umfangreiches Werk Skulpturen, Malerei, Collagen und Zeichnungen umfasst, gehört zu den bekanntesten Vertretern der “Process Art”, die in den 1960er-Jahren den Kunstbegriff radikal veränderten. In seinen Skulpturen hinterfragt Kuehn die Autorität des Materials und erkundet dadurch das Spannungsfeld zwischen Begrenzung und Freiheit. Mit einem enormen Gespür für Materialität und handwerklichem Wissen um dessen Eigenschaften, sind es seit Beginn seiner Karriere einfache Formen wie Kreis, Quadrat oder Dreieck, die in Verbindung mit seinem Interesse an handwerklichen und industriellen Materialien wie Holz, Metall, Gips, Polyester, Plexiglas, Aluminium und Stahl, die Basis seiner künstlerischen Untersuchungen bilden. Dabei werden die geometrischen Formen oft den Deformationskräften der Masse oder einer Bewegungsenergie ausgesetzt, räumlich verdrängt, verknotet oder gestossen, wodurch Kuehn in den formal abstrakten Werken stets auch einen emotionalen Wert generiert. In Europa wurden Kuehns Werke zuletzt anlässlich der beiden Retrospektiven in der Galeria d'Arte Moderna e Contemporanea GAMeC Bergamo (2018) und dem Kunstmuseum Liechtenstein (2014) umfassend präsentiert.

Photo: Andrea Stappert